Date de sortie 13 août 2014

Réalisé par Julie Lopes Curval

Avec  Ana Girardot, Bastien Bouillon, Baptiste Lecaplain,

Aurélia Petit, Sergi López, India Hair, Stéphane Bissot, Jean-Noël Brouté

 
Genre Comédie dramatique

Production Française

Quelques mots sur la réalisatrice.  Julie Lopes Curval

Après un DEUG d’arts plastiques spécialisé en photographie, Julie Lopes Curval s’oriente vers l’art dramatique puis écrit deux pièces de théâtre qu’elle met en scène. Coscénariste de Une affaire qui roule de Eric Véniard et Le rôle de sa vie de François Favrat, elle passe à la réalisation en 2000 avec Mademoiselle Butterfly, un court-métrage présenté dans de nombreux festivals.

En 2002, son premier long-métrage, Bord de Mer, est remarqué à la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes et remporte la Caméra d’Or.

Elle réalise ensuite Toi et moi en 2006, avec Marion Cotillard et Julie Depardieu, puis Mères et Filles en 2009, qui réunit Catherine Deneuve, Marina Hands et Marie-José Croze.

Le beau monde, tourné en 2013, est son quatrième long-métrage.

Ana Girardot

Synopsis

Alice (Ana Girardot), 20 ans, vit à Bayeux.

Elle travaille la laine, crée des teintures, confectionne des vêtements. Elle ne sait que faire de ce talent inné, jusqu'à ce qu'elle rencontre Agnès (Aurélia Petit), une riche parisienne.

La rencontre avec Agnès permet à Alice de quitter sa ville natale, et son milieu modeste pour entrer dans une prestigieuse école d’arts appliqués. Avec l’aide du fils de sa bienfaitrice, Antoine (Bastien Bouillon), elle trouve un moyen de se loger dans la capitale.

Entre Alice et Antoine nait une passion amoureuse. Antoine trouve chez Alice une sincérité et une naïveté qui l'extraient d'un milieu bourgeois qu'il rejette.

Tandis qu’un monde entier s’ouvre à elle, Alice  vit un bouleversement d’autant plus douloureux que les différences sociales sont impitoyables.

Interview de Julie Lopes Curval

Comment est née l’idée du Beau Monde ?

 
C’était une vieille envie : raconter une histoire toute simple entre deux personnes de milieux différents, du point de vue de celui qui n’a rien et qui doit franchir les obstacles… J’avais en tête deux romans d’apprentissage que j’aime beaucoup : Martin Eden de Jack London, et l’itinéraire de Lily Bart dans Chez les Heureux du monde d’Edith Wharton qui me touche particulièrement. La manière dont les personnages se cognent au monde nous raconte si bien la rudesse d’une société et comment un monde frivole peut détruire les êtres. Mais moi, je voulais raconter la construction d’une jeune fille, et non sa destruction, sans occulter toute
la cruauté à endurer pour accomplir cette transformation. J’ai écrit une dizaine de pages que j’ai fait lire à Fabienne Vonier et elle a accepté de m’accompagner dans l’aventure de ce film et d’en devenir la productrice. Ensuite, j’ai travaillé avec ma coscénariste, Sophie Hiet.

Quelle est la première question que vous vous êtes posée à l’écriture ?

La première question était de trouver la passion d’Alice… Ma famille vient de Normandie et la tapisserie de la reine Mathilde, à Bayeux, est pour moi le plus bel exemple de broderie. Alors j’ai visité des écoles de Beaux-Arts et d’arts appliqués. À l’Ecole Duperré, j’ai découvert le travail en broderie d’une jeune femme qui avait pris pour sujet les jardins à la française et cela m’a fascinée. J’ai finalement passé beaucoup de temps dans l’école et longuement discuté avec le professeur de broderie. On a fini par constituer un petit atelier, les étudiants ont travaillé sur les créations d’Alice, celles qu’on voit dans le film. J’aime le côté hyper-précis, fin, courbé, de la broderie. C’est beau à filmer, donner à voir la précision de ce travail, et puis la broderie renvoie à toute une mythologie féminine, à travers l’attente qu’elle peut caractériser. Alice va d’ailleurs en faire son sujet de diplôme en devenant elle-même cette femme qui attend. Pour se dépasser dans sa formation, elle doit puiser dans sa propre expérience intime, et ce n’est pas évident, il faut un mental costaud.

Comment s’est écrite cette narration très fragmentée, où l’on ne voit pas vraiment le temps passer ?

Pour raconter une histoire sur plusieurs années, il faut forcément des ellipses, choisir précisément où on s’arrête et ce qu’on regarde. L’idée était de suivre une à une les étapes de l’apprentissage d’Alice, la chance qu’elle force, celle qu’on lui donne, la difficulté à l’école, puis l’amour avec Antoine qui lui permet de franchir une nouvelle porte, etc. Le scénario liait davantage les événements entre eux, mais au montage, avec Muriel Breton, on a un peu asséché la narration pour accentuer cette mécanique, en ajoutant aussi ces moments d’Alice seule dans le bus, qui amènent l’idée de multiples trajets, et aussi d’étapes franchies. Le récit peut alors fonctionner comme un souvenir où le temps n’a plus beaucoup d’importance. Les ellipses apportent aussi l’idée que ça va presque trop vite pour eux deux. Cet amour vient trop tôt, ils ne savent pas le canaliser.

Différents motifs se répètent, l’école, le retour dans la famille, l’appartement, la maison bourgeoise, et chaque fois quelque chose a évolué, ça se répète et pourtant tout est différent. Les cadres aussi se répètent, mais les personnages évoluent différemment dans l’espace. Comme les deux moments sur la plage, c’est le même mouvement de caméra, mais pas exactement la même situation ! En travaillant ces motifs, on mesure la progression du personnage et les étapes de son initiation. Au début du film, Alice fait une écharpe en laine et cueille une fleur pour Kevin, quelques années plus tard elle fabrique un pavot déglingué et on la retrouve, inerte, avec ce même Kevin pour la consoler…

Il y a quelque chose d’un conte de fées quand Alice arrive pour la première fois au château…

 
Absolument. Elle entre par la grande porte, elle est comme éblouie par la magnificence des lieux. J’assume l’intemporalité, le caractère un peu désuet de cette héroïne, et de son mode d’expression. Même "le beau monde" est une expression un peu désuète. Dans les récits d’apprentissage où l’héroïne grimpe l’échelle sociale, il y a généralement en elle une rage, une colère revendicatrice. Moi je voulais un personnage plus impassible, qui regarde et transforme tout ce qu’elle voit et apprend en carburant pour avancer.

Le personnage d’Antoine est plus enragé…

Oui, il a une rage d’enfant gâté. Que je comprends, que je ne condamne pas. Il se met lui-même des bâtons dans les roues. Il voudrait savoir comment il s’en sortirait s’il n’avait pas sa famille, ni son argent… Mais il est naïf, bien sûr, en contradiction permanente avec lui-même, puisqu’il a hérité non seulement d’une éducation solide, mais de biens matériels. Antoine est tourné sur lui-même, et c’est aussi en enfant gâté qu’il se conduit avec Alice, il prend et quand il ne désire plus, il la délaissed’une certaine manière.

Et Alice ?

 
Alice a de grandes failles. Elle a un terrible manque de confiance en elle, qui la fragilise. Si elle est victime d’une société qui ne fait rien pour abolir les frontières, je ne voulais pas en faire une victime pour autant, mais lui donner des armes, et c’est dans le savoir que je voulais les trouver, dans son désir d’apprendre qui fait d’elle un personnage combatif, mais aussi dans sa capacité à endurer les humiliations. Quand elle entend la mère d’Antoine parler d’elle froidement, elle sait intimement que c’est vrai : elle ne sait jamais quoi dire, elle plombe les conversations… Elle voudrait être comme eux alors qu’ils ne font pas l’effort d’aller vers elle, même Antoine qui se sert de son image mais ne cherche pas plus loin… Si tous l’aident pourtant à leur manière, le seul qui la comprend vraiment, c’est Harold. Il lui offre un espace pour la parole. Il vient du même monde qu’elle et sait ce qu’elle ressent. Il ne lui demande rien en échange alors qu’elle veut tout le temps offrir ce qu’elle a même si pour le moment elle n’a pas encore grand-chose à offrir. À Antoine, elle a offert son corps et se laisse vampiriser par lui : il a d’ailleurs une façon très spectaculaire de l’embrasser, il la dévore littéralement, alors forcément, quand le désir est un peu moins là, ça se voit !

Ce désir passe aussi par la photo …

 
Faire d’Antoine un photographe, c’était aussi un moyen de donner à voir ce qu’il prend à Alice… Je voulais raconter comment deux personnes se construisent ensemble en se prenant des choses l’une à l’autre, comment cette construction les éloigne peu à peu, rend impossible la vie à deux, même s’il s’agit bien d’un grand amour… Ils sont jeunes, chacun a sa route à suivre. Elle fait de lui le centre de sa vie, ce qu’il a le droit de trouver pesant… Ils sont à un âge où les erreurs sont fatales, comme ce geste d’Alice qui montre les photos d’Antoine à sa mère. En même temps, en la ramenant sans cesse à son origine, Antoine la protège, il l’aide à
garder un lien à son milieu. Je voulais lier les milieux plutôt que les opposer, je voulais qu’ils se rencontrent, qu’il y ait un échange.

Mais Antoine ne s’est-il pas mal comporté vis-à-vis des proches d’Alice ?

Non, ces gens l’intéressent, il porte un regard bienveillant sur eux, même si il vole leur image sans ressentir vraiment le fossé qui les sépare. Le HLM est beau dans son regard, il ne saisit pas la violence de cette remarque pour autant… Et Alice ne comprend pas l’attirance qu’il peut avoir pour cet univers dont elle a honte. Pourtant Antoine apprécie sincèrement la sagesse et la simplicité de Kevin et Manon. Il les aime d’autant plus qu’il peut quitter leur monde, bien sûr. En fait, Antoine aime Alice quand elle est ce qu’elle est. Quand elle veut devenir quelqu’un d’autre, aller vers ce que lui, justement, fuit, il se détache d’elle…

Le motif de la fleur caractérise Alice…

C’est un peu naïf, une fleur. La mère d’Alice porte des vêtements à motifs à fleurs, elle a un papier peint coquelicot. Effectivement, j’ai tiré ce fil : Alice a un rapport fort avec la nature, elle cueille des fleurs, c’est une jeune fille en fleur, elle est un peu fleur bleue… Et en offrant des fleurs, elle s’offre elle-même.

Ana Girardot et Bastien Bouillon

On peut filer la métaphore : elle passe d’un rose Disney, cette rose trop parfaite et sans âme que conteste son professeur, à un pavot un peu destroy. En tant que fleur, elle s’ouvre et se met en danger. C’est ce qui la différencie, par exemple, de l’héroïne de La Dentellière. Le livre de Pascal Laîné comme le film de Claude Goretta m’ont accompagnée depuis l’adolescence; mais leur personnage, Pomme, elle aussi aimée d’un homme d’un autre milieu social, ne cherche pas à sortir de sa vie et de sa condition… Elle s’abandonne à l’amour et quand il se lasse, ça la tue… Au contraire d’Alice qui va dépasser son chagrin en l’incarnant dans son travail. Alice se construit en perdant son amour, et c’est dans cette perte qu’elle se réalise…

Comment avez-vous choisi Ana Girardot ?

 
Je l’avais vu dans Cloclo : elle avait un petit rôle qu’elle faisait exister d’une manière très forte. Avec Marion Touitou, la directrice de casting, nous avons rencontré de jeunes actrices, mais j’étais presque sûre que ce serait Ana à l’arrivée. Cela me paraissait presque un pari : il fallait trouver la dureté d’Alice dans la douceur d’Ana. Elle a amené une opacité au personnage que j’aime vraiment. Ana est concentrée, présente, docile, elle se laisse modeler. J’avais envie de la regarder. De fixer son visage pourarriver à l’intérieur d’elle-même. On la voitencaisser, on attend qu’elle se réveille… Son visage nous dit plein de choses sans mot, même si, peu à peu, la parole va se libérer.

Et Bastien Bouillon ?

Je l’ai découvert aux essais. Il est particulier, très beau, avec une manière d’être qui me touche beaucoup. Il a une voix singulière, et aussi dans le visage quelque chose d’encore enfantin. A mes yeux, il était parfait pour sauver le personnage d’Antoine. Car Antoine a le mauvais rôle, d’accord, mais ce n’est pas si simple. Quand une histoire d’amour échoue, qui a tort, qui a raison ? Question abyssale. Et puis en faisant des essais avec Ana, j’ai trouvé qu’ils formaient un couple physique aussi, que leurs corps disaient déjà beaucoup. C’était important dans le film cette alchimie.

Sergi López, Baptiste Lecaplain, Aurélia Petit, India Hair… tous les seconds rôles sont riches, complexes...

Marion Touitou a fait un travail remarquable. Sergi López ne correspondait pas forcément à l’image qu’on se fait d’un parfumeur mais il a apporté un raffinement et une vraie délicatesse au personnage. Je voulais que les mères soient jeunes, Stéphane Bissot et Aurélia Petit se sont imposées par leur capacité à composer des personnages éloignés d’elles. Je voulais que Kevin et Manon, Baptiste Lecaplain et India Hair, aient une forme de sagesse, qu’Antoine leur envierait. Baptiste Lecaplain m’a tellement plu aux essais que j’ai réécrit pour lui et développé le personnage de Kevin.

Comment avez-vous travaillé sur la musique ?

Au départ, il y a la découverte de la chanson de Françoise Hardy, Même sous la pluie. Elle a donné le la. J’avais l’impression que c’était Alice qui la chantait, tant elle lui convenait. Quand j’ai montré le film à Sébastien Schuller, on avait monté la chanson au milieu du récit. Il m’a envoyé plusieurs thèmes pop et mélancoliques, je voulais qu’il y ait encore cette idée de boucle, quelque chose d’obsessionnel, et qui se transforme... et quand elle entre dans le château, quelque chose d’à la fois merveilleux et d’un peu factice. Mais les clochettes s’évaporent à mesure qu’Alice traverse les apparences…

Mon opinion

La réalisatrice Julie Lopes Curval coécrit un scénario, avec la fidèle Sophie Hiet, somme toute assez banal. Tout en abordant le sujet d'une façon différente Le beau monde n'est pas sans rappeler le récent et très beau film de Lucas Belvaux Pas son genre.

Les dialogues, trop convenus, atténuent l'intérêt du film qui ne prend pas véritablement son envol, et ne laisse augurer en rien, une moindre surprise.

Une certaine Agnès, issue de la grande bourgeoisie, très vaguement décrite, comme travaillant dans la mode tend à la main à Alice, une jeune fille issue de la classe ouvrière, très douée pour le travail de la laine interprétée avec conviction par Ana Girardot.

La rencontre entre Antoine, le fils d'Agnès, un rien gâté et intraitable, dont le rôle est tenu par Bastien Bouillon, et la jeune Alice manque cruellement d'épaisseur. Le fils trouvera dans la famille d'Alice matière à développer son talent de photographe. Alice cherchera avec une volonté délibérée, à monter les marches pour accéder à la prétendue supériorité d'une classe sociale plus élevée. En découle une histoire d'amour sans tendresse.

Le travail acharné et indispensable pour arriver à se démarquer, pour trouver sa place, pour laisser éclater son talent, que la jeune Alice déploiera sans faiblir, reste la partie la plus intéressante du film. La réalisatrice ne fait que survoler ce combat permanent pour s'enliser dans une histoire banale et une fin attendue.

Sources :

http://www.unifrance.org

Date de sortie 23 juillet 2014

Réalisé par Daniel Ribeiro

Avec Ghilherme Lobo, Fabio Audi, Tess Amorim,

Lúcia Romano, Eucir de Souza, Isabela Guasco

Titre orginal Hoje Eu Quero Voltar Sozinho

Genre Comédie dramatique

Production Brésilienne

Daniel Ribeiro est né en 1982 à São Paulo, il y fait ses études, dans l’école de cinéma de l’université. Il réalise ensuite deux courts-métrages, Cafe Com Leite (Café au lait) et Eu não quero voltar sozinho (Je ne veux pas rentrer tout seul), qui sont présentés dans plus de 180 festivals internationaux et reçoivent 115 prix, dont l’Ours de cristal au festival de Berlin.

Devant le succès récolté et le potentiel de l'histoire de Leonardo et Gabriel, le réalisateur a réécrit le scénario, tout en conservant la trame générale et quelques dialogues, pour le transformer en long métrage et le distribuer en salles.

Daniel Ribeiro est également le créateur d’un site internet musical, Musica de Bolso (Musique de poche) et d’un projet web anti-homophobie, Eu Sou Gay (Je suis gay).

Au premier regard, salué parle Prix de la critique internationale

au Festival de Berlin en 2014,  est le premier long-métrage de Daniel Ribeiro.

Ghilherme Lobo

Synopsis :

C’est la fin de l’été à São Paulo

Leonardo (Ghilherme Lobo) est un adolescent aveugle qui essaie d'échapper à une mère, (Lúcia Romano) surprotectrice et gagner son indépendance.

Soutenu par sa meilleure amie Giovana (Tess Amorim), il aimerait être plus indépendant, étudier à l’étranger, mais aussi tomber amoureux.

Tess Amorim & Ghilherme Lobo

L'arrivée de Gabriel (Fabio Audi) dans leur classe et de nouveaux sentiments vont remettre ses plans en question, au grand dam de Giovana qui se sent exclue.

Progressivement, l’amitié que Leonardo ressent pour Gabriel semble évoluer vers autre chose.

Mais comment le séduire et savoir s’il lui plait puisqu’il ne peut pas le voir ?

Ghilherme Lobo & Fabio Audi

Entretien avec Daniel Ribeiro

Leonardo, le protagoniste de votre film, est non-voyant et gay mais son histoire ressemble à celle d’un adolescent comme les autres...

Le film dresse le portrait d’un adolescent qui découvre sa sexualité et pas seulement son orientation sexuelle. Ce qui compte pour Léonardo n’est pas d’être gay, mais de faire l’expérience du premier amour, du premier désir et toutes les nouvelles expériences qu’on fait à l’adolescence. Je pense qu’on a tous vécu cela. C’est une histoire universelle et, gay ou pas, aveugle ou pas, tout le monde peut comprendre les sentiments de Leonardo.

Le fait que Leonardo est non-voyant ne change-t-il pas tout de même son rapport au monde en tant qu’adolescent et homosexuel ?

 
Evidemment. On pense toujours au regard comme élément primordial de la relation, surtout dans la communauté homosexuelle où le fait de regarder et d’être regardé est essentiel. Le film parle de l’importance du regard mais aussi du fait que l’attirance et la sensibilité peuvent également provenir des autres sens, du toucher, de l’odorat... Cela dit, je ne pense pas que le fait qu’il soit aveugle influence tant que cela Leonardo. Cela influence plus l’histoire que le personnage. Pour Leonardo, le fait d’être aveugle n’est pas vraiment un problème. Tout comme sa sexualité. C’était important pour moi de faire ressentir cette insouciance. Il est né non-voyant, il a l’habitude et ne s’apitoie pas sur son sort. Ce qui le désole, c’est la façon dont certaines personnes réagissent autour de lui.

Je pense que beaucoup d’handicapés ressentent la même chose : ils ne veulent pas être traités différemment, ils veulent juste sembler à la fois normaux et singuliers comme tout un chacun.

Curieusement, le fait que Leonardo veuille être indépendant semble être une source de drame plus importante que son coming-out...

Il y a déjà eu beaucoup de films sur le coming-out, certains sont formidables, mais aujourd’hui je pense qu’on a dépassé ce stade et qu’on doit avancer. Le film montre que le "drame" du coming-out peut être surmonté même au Brésil ! Dans mon film, le problème réside dans le "qui m’aime en retour ? " et non pas dans le "qui j’aime et pourquoi je l’aime ?". Je voulais un personnage qui cherche juste à être heureux, qui a découvert à l’adolescence qu’il est gay mais pour qui cette découverte fait naturellement partie de celles qu’on fait à cet âge, comme le changement des corps et des sentiments. Alors oui, du coup, c’est son désir d’indépendance qui prend le dessus et qui est source de conflit pour son entourage : son père, sa mère mais aussi sa meilleure amie Giovanna qui craint de le perdre...

Leonardo ne pouvant pas voir, vous ne pouviez pas filmer son “point de vue”. Vous êtes-vous senti limité par son handicap en tant que réalisateur ?

Non, j’ai plutôt eu envie de jouer avec ce handicap, par le biais des images, comme dans cette scène où Leonardo, assis sur l’herbe, la nuit, demande à Giovanna si elle a vu Gabriel et qu’elle lui répond "non" simplement parce qu’elle veut rester seule avec lui alors que Gabriel est dans son champ de vision. Du coup, j’ai beaucoup travaillé sur les sons qui proviennent à Leonardo de son point de vue, par exemple dans la scène où il veut quitter l’école tout seul et que ses camarades jouent autour de lui. C’est intéressant esthétiquement pour un réalisateur de pouvoir jouer avec ces éléments. Le son n’est pas toujours apprécié à sa juste valeur, alors c’était très excitant de le mettre en avant dans mon film. Le fait que Leonardo soit aveugle m’a obligé à être plus attentif à tout cela, j’en suis très heureux. Et peut-être serai-je plus attentif dans le futur, lorsque je ferai des films avec des "voyants", à tout ce qui fait partie du cinéma et n’est pas purement visuel.

La production a choisi la chanson Modern Love de David Bowie et There's too Much Love du groupe Belle & Sébastian. Ces deux chansons illustrent l'amour naissant entre les deux adolescents.

Parlez-nous de vos comédiens.

Avant de réaliser Au premier regard, j’avais déjà il y a trois ans réalisé un court métrage sur le même sujet, Eu nao quero voltar sozinho. J’avais choisi mes comédiens pour le court métrage, et j’ai à nouveau fait appel à eux pour le long métrage : il y avait tellement d’alchimie entre eux que c’était évident pour moi. Entre temps, ils avaient vieilli de trois ans, il y a donc un traitement très différent de celui du court métrage, avec des problématiques de sexualité plus frontalement abordées, des corps plus exposés à l’écran, le thème de l’indépendance plus central. Avec les acteurs, nous avons beaucoup parlé, échangé nos idées. Parfois, ils avaient plus pensé à leurs personnages que je ne l’avais fait moi-même... Certains moments du scénario n’étaient pas très bien définis, je pouvais leur dire "ils marchent dans la rue en parlant", et c’était à eux de trouver ce qu’ils devaient se dire. J’aime bien procéder ainsi, attraper au vol tout ce que chacun peut apporter au film. Avec le chef opérateur ou l’équipe technique, c’était pareil, aux postes où ils étaient, ils voyaient parfois des choses que je ne remarquais pas.

Fabio Audi, Tess Amorim & Ghilherme Lobo

Comment avez-vous travaillé avec Ghilherme Lobo, qui interprète Leonardo dans le film ?

Dès l’écriture de mon court métrage il y a trois ans, ma principale préoccupation était de trouver le jeune acteur qui pourrait interpréter un personnage de non-voyant. J’ai alors rencontré Ghilherme, qui avait à peine 14 ans à l’époque, et dès la première session d’essais, il a trouvé une façon de jouer Leonardo, en cachant brillamment son regard derrière ce regard lointain qu’on lui trouve dans le film. Ghilherme est très intuitif et très observateur. Après que je l’ai choisi, nous avons passé du temps dans des institutions de non-voyants, où il a appris comment être guidé, et où les autres acteurs ont appris comment le guider. Il a aussi appris comment utiliser la machine à écrire en braille, entre autres...

Mon opinion

Devant le succès international de son deuxième court-métrage, le jeune réalisateur, Daniel Ribeiro, réécrit le scénario, fait appel aux mêmes acteurs et réalise ainsi son premier long métrage. Au premier regard.
 
Le sujet aurait facilement pu basculer dans le larmoyant. Un jeune homme non voyant, étouffé par une famille trop protectrice, homosexuel de surcroît, cherche la liberté et l'amour. Tout était rassemblé pour plomber le film. C'est tout le contraire.

Le réalisateur évite tous les écueils et réalise ce premier long-métrage avec une grande pudeur, une infinie délicatesse. Beaucoup de tendresse aussi. Un joli conte dans notre actualité, assez rare pour le mentionner. À ne pas négliger non plus pour le message de tolérance délivré, et le droit à la différence, aussi.
 
Le scénario n'appuie pas lourdement sur le handicap physique du héros, pas davantage sur son orientation sexuelle. Il est juste question d'un jeune homme qui, comme les autres, vit avec ses besoins et surtout ses envies, comme tout un chacun. Sans aucun apitoiement. Là réside peut-être la plus belle réussite du film.
 
Un grand plus, et non des moindres, vient des trois principaux protagonistes. Parfaitement justes, attachants et charismatiques.
 
Nul doute que Daniel Ribeiro revienne nous surprendre. Outre ses nombreux engagements et projets divers, il offre avec ce premier film, simple et généreux, des portraits magnifiques d'une jeunesse, à qui on ne peut souhaiter que le meilleur.  

Sources

http://distrib.pyramidefilms.com

http://vejasp.abril.com.

http://www.imdb.com

Date de sortie  16 juillet 2014

 
Réalisé par  André Téchiné

Avec Catherine Deneuve, Adèle Haenel, Guillaume Canet,

Jean Corso, Judith Chemla

 
Genre  Drame

Production Française

L’Homme qu’on aimait trop est votre septième film avec Catherine Deneuve. En quoi ce rôle-ci est-il particulier ?

"C’est la première fois dans un de mes films que je la place à ce point sous le signe de la mascarade et de la sophistication. Nous nous en sommes donné à coeur joie sur les toilettes spectaculaires toujours différentes (never twice). Mme Le Roux, qui est un ancien mannequin de chez Balenciaga, était en effet en représentation permanente au Palais de la Méditerranée avant que sous l’influence d’Agnelet elle en prenne la direction. Ce déguisement est un rite social. Renée est un monstre sacré qui surveille son royaume. Mais en même temps Renée Le Roux est certainement le personnage le plus solide de tous ceux que Catherine Deneuve a joué dans un de mes films. Ce personnage à la fois dominateur et acharné, impitoyable, est aux antipodes de l’instabilité qui était notre registre de prédilection (capter l’insaisissable). Le seul précédent auquel j’ai pensé, parmi tous ses rôles ailleurs, est celui de Tristana dans la dernière partie du film de Buñuel, lorsqu’elle devient une femme âgée d’une terrible dureté. Dans L’Homme qu’on aimait trop, elle va jusqu’au bout. Elle est d’une détermination aveugle : elle réclame la tête d’Agnelet. Malgré le poids de l’âge, elle est invincible comme un roc." répond André Téchiné.

Catherine Deneuve

Synopsis

1976.

Après l’échec de son mariage, Agnès Le Roux (Adèle Haenel) rentre d’Afrique et retrouve sa mère, Renée (Catherine Deneuve), propriétaire du casino Le Palais de la Méditerranée à Nice. La jeune femme tombe amoureuse de l’homme de confiance de Renée, Maurice Agnelet (Guillaume Canet), un avocat de dix ans son aîné.

Maurice a d’autres liaisons.

Agnès l’aime à la folie. Actionnaire du Palais de la Méditerranée, Agnès veut vendre sa part de l’héritage familial pour voler de ses propres ailes.

Adèle Haenel et Guillaume Canet

Une partie truquée siphonne les caisses de la salle de jeux. On menace Renée. Derrière ces manœuvres guerrières plane l’ombre de la mafia et de Fratoni (Jean Corso) le patron du casino concurrent qui veut prendre le contrôle du Palais de la Méditerranée.

Tombé en disgrâce auprès de Renée, Maurice met en relation Agnès avec Fratoni qui lui offre trois millions de francs pour qu’elle vote contre sa mère. Agnès accepte le marché. Renée perd le contrôle du casino.

Agnès supporte mal sa propre trahison. Maurice s’éloigne.

Après une tentative de suicide, la jeune femme disparaît à la Toussaint 1977.

On ne retrouvera jamais son corps. Trente ans après, Maurice Agnelet demeure l’éternel suspect de ce crime sans preuve ni cadavre. Convaincue de sa culpabilité, Renée se bat pour qu’il soit condamné…

Catherine Deneuve et Guillaume Canet

Extraits d'Entretien avec André Téchiné.
relevés sur http://medias.unifrance.org

À l’origine du film se trouve une commande. Que vous a-t-on proposé ?

À l’origine, il s’agissait d’une libre adaptation des mémoires de Renée Le Roux, écrites par son fils Jean-Charles, Une Femme face à la Mafia paru chez Albin Michel, avec dès le début l’idée que Catherine Deneuve interprèterait le rôle. Le livre raconte, du point de vue d’une de ses protagonistes, la "guerre des casinos" sur la Côte d’Azur dans les années 70-80 et la prise de contrôle du casino qui appartenait à Madame Le Roux, le Palais de la Méditerranée, par Jean-Dominique Fratoni, avec le soutien de Jacques Médecin alors maire de Nice.

Qu’est-ce qui vous a particulièrement intéressé ?

Je me suis concentré sur Renée Le Roux, sa fille Agnès et Maurice Agnelet. La mère femme à poigne, l’insoumission de la fille, le désir de reconnaissance sociale d’Agnelet. C’est peut-être plus que tout Agnès qui m’a intéressé. J’ai voulu faire son portrait. J’ai donné mon accord définitif après avoir lu les lettres qu’elle écrivait à Agnelet, parce que contre toute attente j’y ai retrouvé des échos troublants avec un personnage que j’ai longtemps rêvé de porter à l’écran, Julie de Lespinasse. Il y a des ressemblances étonnantes entre la correspondance amoureuse, passionnée, de la femme de lettres du 18^ème siècle et ce qu’écrit l’héritière du Palais de la Méditerranée. Exemple : "Je vous aime comme il faut aimer, avec excès, avec folie, transport et désespoir."

Vous avez donc déplacé le récit de la guerre des casinos vers l’histoire d’un affrontement à la fois psychologique et mythologique.

C’est un film de guerre. Mais il reste à hauteur humaine. Je ne voulais pas du tout éliminer les aspects matériels qui actionnent les ressorts de l’intrigue. Je voulais montrer le processus de prise de pouvoir, les méthodes utilisées pour couler un casino, le fonctionnement de l’entreprise dans ce contexte particulier avec sa part de brutalité et de servilité. Il fallait accompagner sans ellipse toutes les étapes factuelles, jusqu’à la chute, jusqu’à la défaite. Cet aspect guerrier, puisé dans la réalité, structure le récit.

 
Comment avez-vous écrit le scénario ?

Je l’ai écrit dans un premier temps avec Jean-Charles Le Roux qui possédait tous les éléments du dossier. Nous avons établi un séquencier, une chronologie des faits, une structure. Jean-Charles Le Roux est engagé aux côtés de sa mère dans son combat pour faire
condamner Agnelet, il est persuadé qu’il a tué Agnès, j’ai donc été très clair avec lui dès le début : je ne ferai pas un film à charge contre Agnelet. C’est forcément resté au cours du travail un point sensible. Ensuite j’ai travaillé avec le cinéaste Cédric Anger sur une deuxième version plus ancrée dans la chair des scènes.

Avez-vous été amené à modifier les faits pour renforcer la puissance dramatique du film ?

Nous avons épuré l’intrigue, notamment en supprimant les personnages du frère et des soeurs d’Agnès ainsi que les deux frères du fils Agnelet (pas assez d’espace pour les traiter) afin de renforcer le caractère central du triangle principal. Pour le déroulement des faits, nous nous sommes autorisé une seule modification dans la chronologie : la fermeture du casino et son occupation par le personnel ont lieu plus tard dans la réalité. Dramatiquement, il me semblait important de raconter la "chute" du Palais de la Méditerranée dans la même temporalité que la disparition d’Agnès.

Vous deviez également décider jusqu’où raconter l’histoire, au-delà de la disparition d’Agnès Le Roux en novembre 1977.

Pendant longtemps, mon idée était de ne pas montrer les procès. J’ai un mauvais souvenirs d’enfance lié aux films dans les tribunaux, la première fois que je me suis ennuyé au cinéma c’était en regardant Justice est faite de Cayatte – mais il y a de très bons films de procès aussi, surtout américains… En tout cas, il était impossible de faire abstraction de cette dimension judiciaire. Le comportement de Renée Le Roux acharnée à faire condamner Maurice Agnelet est une donnée essentielle. Pour elle c’est sacré. Et puis la justice et ses décisions contradictoires constituent le dénouement officiel de l’affaire.

La justice, c’est-à-dire aussi le fait de décider une fois pour toutes ce qui est vrai et ce qui est faux.

Oui, alors que dans ce cas en particulier, on ne sait pas. Il n’y a pas de corps, pas de scènes du crime, pas d’élément incontestable. Beaucoup des preuves qui ont été utilisées dans les plaidoiries sont sujettes à caution, sinon réversibles. Par exemple les avocats ont dit que le fait qu’Agnelet n’ait pas laissé de message sur le répondeur d’Agnès pour s’inquiéter de son sort après sa disparition prouve sa culpabilité. Mais on peut facilement retourner l’argument : un assassin se serait peut-être empressé de laisser des messages pour se couvrir… Il y a beaucoup de choses fragiles comme ça…

Vous n’avez pas envisagé de changer les noms,

de déplacer l’histoire du côté de la fiction ?

Non, il était important de garder l’inscription réelle. C’est une manière de dire que la tragédie, cela advient dans le monde tel qu’il est. Et d’ailleurs Guillaume Canet a été en contact avec Agnelet, qui lui a raconté des dialogues qu’il avait eus avec Agnès, après la vente des actions, lorsque les journaux accusent la jeune femme d’avoir trahi sa mère et qu’elle est désespérée. Ce sont des mots que je n’aurais jamais pu inventer, mais que du coup j’ai mis dans la bouche du personnage. Il aurait été absurde de changer le nom, de ne pas ancrer ce récit incroyable dans ce qui est sa véritable trame.

Votre film La Fille du RER était lui aussi né d’un fait divers célèbre. Y a-t-il des similitudes entre les deux processus de création ?

Le point commun tient à l’utilisation d’événements extrêmes, qui se sont produits dans la réalité. Le baroque dans la vie. Mais ensuite les histoires et les thèmes sont différents. La Fille du RER portait surtout sur le mensonge comme refuge d’une détresse, L’Homme qu’on aimait trop concerne les rapports de domination dans un trio…

Filmographie de Catherine Deneuve, Cliquez ICI.

Vous avez mis de côté la dimension plus directement politique de Une femme face à la Mafia, avec notamment Jacques Médecin en figure centrale.

Tout est mentionné dans le film, je n’ai rien esquivé y compris sur ce terrain, mais le coeur du film c’est la disparition d’Agnès Le Roux. Nous n’avons aucune preuve à ce jour que cette disparition soit liée à la Mafia. Et c’est sûr qu’il y a de la politique dans le film, mais pas à un niveau de politique politicienne locale. C’est la classe sociale que je montre dans sa violence, dans sa logique de guerre, de calcul et de prédation qui devient l’approche politique de cette affaire de parts d’héritage. Le film montre la manière dont les individus pris dans cet espace en sont tous affectés.

 Guillaume Canet et Adèle Haenel

L’argent, et l’appétit de pouvoir sont clairement au centre de l’affaire, mais il y a quelque chose de plus, du côté de l’inconscient, de la pulsion, par exemple lorsqu’Agnès se lance dans une danse africaine qui devient une sorte de transe.

Ce moment met en évidence son insoumission. Son corps s’exprime ici plus librement que dans le carcan rigide de la danse classique liée à son éducation. C’est une affirmation d’autonomie et une évasion, un point de fuite. Ça dégage.

Comment avez-vous conçu l’univers visuel du film ?

Pour les scènes dans le casino, je voulais un univers très européen, un anti-Las Vegas. Le contraire du décor – admirablement filmé – du Casino de Scorsese. Avec Olivier Radot on a pensé à Klimt, à la femme joyau, à l’orientalisme. Pour les tenues de Catherine Deneuve avec Pascaline Chavanne on s’est inspirés de La Baie des Anges de Demy et de Shanghai Gesture de Sternberg. De même que les décors et les costumes sont des artifices, la lumière joue ici comme un masque.

Ce pourrait être la lumière d’une comédie sophistiquée sur la Côte d’Azur. L’esthétique luxueuse cache la violence de ce monde. C’est un cache-misère. Derrière ce masque c’est la tragédie. Je voulais aller à contre-courant du sentiment d’asphyxie d’une histoire aussi noire. Je voulais faire, malgré la fatalité de cette histoire vraie, un film lumineux, un film diurne où il n’y a pratiquement pas de scènes de nuit. Je voulais accentuer l’éclat des couleurs et la mobilité des cadrages. J’ai envisagé des ouvertures vers la mer et des envols dans les montagnes.

Une grande part de la complexité et de la séduction du film repose sur le personnage d’Agnès Le Roux. Comment avez-vous choisi son interprète ?

J’avais remarqué depuis longtemps Adèle Haenel, je savais qu’elle était une jeune actrice belle et puissante. Je l’avais vue jouer des filles de milieu populaire et ça me plaisait de lui proposer le rôle d’une riche héritière fille de Catherine Deneuve. Elle a une élégance folle. Et elle sait rester rude. Elle a le physique athlétique d’Agnès Le Roux avec un mélande de vitalité et de folie, un instinct du présent : c’est cash, c’est cru, un bloc d’enfance. Agnès Le Roux c’est le contraire d’une victime désignée : elle est active, sportive, elle veut travailler et ouvre une boutique. Ce n’est pas une petite chose fragile et on ne peut pas l’enfermer dans l’image d’une enfant gâtée. Et elle a quelque chose de très solaire, qui ressort encore mieux me semble-t-il avec ses cheveux teints en brun.

Et Guillaume Canet ?

D’abord j’avais envie de travailler avec lui depuis très longtemps. Pour Agnelet, il fallait un acteur sexy, avec un côté "gendre idéal". Il fallait traverser cette apparence et aller voir ce qui se passait derrière ce masque. J’avais surtout vu Guillaume Canet dans des personnages positifs, mais je savais qu’il pouvait troubler, faire naître une opacité inquiétante, un peu à la Cary Grant dans Soupçons (qu’est-ce qu’il a dans la tête celui-là ?), c’est ce qui m’a intéressé pour le personnage d’Agnelet, un homme qui se protège de ses propres émotions, et qui a ce côté fermé, tout en étant charmant, et charmeur. Guillaume a réussi à faire coexister ces facettes. Il n’a pas eu peur d’être servile avec Renée Le Roux et Fratoni. Il n’a pas eu peur de se montrer sadique et odieux avec Agnès. Il a assumé la lâcheté et la méchanceté du personnage. Il n’a jamais cherché l’apitoiement ou l’attendrissement. Agnelet est un metteur en scène : il fait jouer les gens, il manipule, il enregistre. Mais il lui arrive de se prendre les pieds dans les ficelles qu’il a tissées et de tomber dans le piège de ses propres mensonges. Il est son pire ennemi. C’est sa dimension tragique. Au dernier procès c’est son propre fils (son soutien) qui l’a accusé. Derrière son sourire de Don Juan on songe à Pascal : "Cette duplicité de l’homme est si visible, qu’il y en a qui ont pensé que nous avions deux âmes."

Mon opinion

La mise en scène très classique s'adapte parfaitement à ce triste et célèbre fait divers criminel. André Téchiné précise : "Nous adaptions le scénario au fur et à mesure des confidences, d'Agnelet, un homme fascinant qui s’emmêle les pinceaux dans ses propres mensonges".

Les décors d'Olivier Radot, les costumes de Pascaline Chavanne, et la photographie de Julien Hirsch sont une grande réussite pour ce retour dans les années 75, au milieu de ces tons mordorés et ce luxe clinquant d'une époque révolue.

Depuis des années, la justice est intervenue sur ce dossier en apportant des décisions divergentes, d'où l'impossibilité pour le réalisateur, de chercher une quelconque vérité sur la finalité de cette affaire. Il s'appuie sur un autre angle. Celui de la guerre des casinos et la violence qui va avec.

Concernant Maurice Agnelet le film démontre le vide total, intérieur et culturel, de ce séducteur, arriviste, sans scrupules, perdu derrière les faux-semblants au milieu desquels il tente d'imposer une image différente de l'être vil qu'il est profondément. Comme démontré par le décor, à la fois pathétique et prétentieux, de son cabinet d'avocat, sans clients, avec une bibliothèque et des rangées de livres de La Pléiade accumulés et visiblement posés là pour tenter de faire croire que .... Tout est faux chez cet homme, il incarne parfaitement la lâcheté caractérisée. C'est lui qui est au cœur du film. Franc maçon, tout comme Fratoni "Mais pas dans la même loge" précisera-t-il, comme pour renier cet engagement quand cette appartenance ne peut plus lui être d'aucune utilité. Il n'hésitera pas malgré tout de s'acoquiner avec le mafieux pour arriver à ses fins.

Guillaume Canet endosse le costume de cet homme avec un certain talent tout en s'appuyant sur les confidences reçues par Maurice Agnelet, lui même. Un salaud, certes, mais le type de héros parfait pour le grand écran. À ses côtés, la toujours excellente Judith Chemla et la jeune et déjà remarquée Adèle Haenel dans le rôle d'Agnès le Roux. Plusieurs passages appuient sur la grande faiblesse de cette jeune femme et son cruel besoin d'amour. À tout prix ! Une scène devrait rester dans les annales. Celle dans laquelle elle se livre à une incroyable danse africaine pour mieux tenter de séduire celui qui finira par la perdre.

Une mère trahie, dépossédée, perdue, rageuse et déterminée à la fois, offre à Catherine Deneuve un rôle dans lequel, une fois encore, elle excelle. On retiendra le passage dans lequel elle fredonne sur le Pregherò d’Adriano Celentano. Ou plus encore, son allure de femme vieillie à tout jamais blessée et ruinée, et son regard poignant pendant la scène du procès.

Sources :

http://www.unifrance.org

http://www.imdb.com/

http://www.allocine.fr